SANDRA ASENJO

Desde pequeña anduve entre pinceles y lienzos, oliendo el aguarrás y manchando las manos.
A día de hoy entiendo mi pintura como una suma de gestos, de “tiempos”: por un lado el proceso en sí -el de pintar- y por otro, el que dirige nuestro recorrido visual por la obra.
Enfatizo la concepción plana de la pintura, renunciando a la ilusión óptica de profundidad, en una suerte de homenaje al expresionismo abstracto.

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TARSICIO

Recuerdo una niñez llena de historias y conversaciones, muchas conversaciones sobre arte. La pintura de la mano de mi madre y mi tío como escultor contribuyeron a que aquello dirigiese, de forma natural, mis pasos a donde estoy hoy en día. 
Visto con la perspectiva que te dan los años tengo claro que, aunque hubiese querido, no tenía escapatoria. Imagínate lo increíble que fue, siendo niño, el taller de escultura de mi tío. Era un lugar que me flipaba con todas aquellas herramientas y materiales, sonidos y olores que aún tengo presentes. No había un lugar mejor en el mundo.
Incluso mi hermano y yo nos escapábamos al río para para juntar todo el barro que podíamos y pasábamos la tarde entera haciendo esculturas, tratando de imitar aquello que veíamos.

Llegó la adolescencia y con ella las curvas. Buscarse un lugar en el mundo, primeros amores y desamores, todo lo que se supone que tienes que hacer a esa edad y en medio de aquella “batalla”, expresarme mediante la creatividad fue la mejor terapia para ordenar mi vida.
Fue pasando el tiempo y descubrí que se trataba de algo más, que existen cuestiones formales que es necesario investigar y esa búsqueda que nunca termina se ha convertido en una adicción, en algo sin lo que no podría vivir.

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BARBARA CACHÁN

Colectivo Pantalla Gris

De la unión de ideas dispares y expresiones opuestas, nace PantallaGRIS, un colectivo formado por dos jóvenes artistas, Bárbara Cachán y Adrián Rodríguez. 
Graduados en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, reflexionan sobre su entorno desde su particular visión del mundo, hibridando fotografía, dibujo y electrografía.

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SERGIO SANTURIO

Sergio Santurio es una persona paciente y complicada, que observa y toma de la naturaleza o la sociedad aquello que le llama la atención, y lo transforma en arte original.

”Siempre me dediqué a un mundo creativo personal, empezando a dibujar con tres años, acabe el ciclo superior de Ilustración a los veintidós, y no he parado de hacer exposiciones y nuevos trabajos artísticos desde entonces.
Cursos de grabado, botánica, dibujo, fotografia, video etc han ido acompañando mi trayectoria. Y esto es algo que siempre me ha encantado: explorar el arte en todos sus ámbitos posibles, muchas veces unido al mundo de la Biología, otra de mis grandes pasiones.
Así, tomando el mundo natural como primera fuente inspiradora, empecé a dibujar (Arte base mayor) todo aquello que creía interesante, que poco a poco se fue refinando con un gran poder imaginativo hasta llegar a la creación de cuadros concebidos al mínimo detalle, con muchas horas de trabajo, paciencia y amor. Otra vertiente cercana a la ilustración, mas rápida y libre, es la mancha pictórica, lado mas experimental donde se dejan al accidente controlado la fusión entre tintas, alcoholes, fuego, papeles, agua, etc con el fin de crear nuevos efectos e interesantes resultados. La textura es uno de mis principios y fuentes de cobertura artística.
Una rama que goza de gran éxito es la de la escultura, que llego tardía en la forma de unión de objetos orgánicos y artificiales consiguiendo espectaculares figuras oníricas muy similares a las creadas en Bestiarium*.
En la fotografía también existen tendencias naturalistas, pero que de momento está siendo utilizada como complemento de trabajo, si en un futuro servirá como real herramienta a la hora de realizar sesiones fotográficas para moda o de corte surrealista.
La parte del videoarte surgió como intento de hacer cortometrajes de Stop-motion pero fue mas allá, consiguiendo la creación de poemas visuales donde el montaje tiene una posición muy importante. Poco a poco fui modificando la música, llegando al punto en el que he ampliado mi trabajo al del piano clásico y algo de violín, y con interesantes proyectos orientados hacia la música objetual experimental y electrónica. Estas ultimas facetas nacieron tardías pero muy efectivas, como fuente de descarga inmediata, de momento, algo muy necesario.”

De esta manera, con el compendio descrito de artes practicadas, Sergio Santurio va desenvolviendo su trabajo creativo intentando siempre dar todo lo posible en cuanto a originalidad y técnica.

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MIRIAM VALLE

“lo eterno en la fugacidad del instante” 
                                                                                                                           C.  Baudelaire 

Crecí con la imagen de mi madre pintando. No recuerdo que jamás me dijera una sola palabra invitándome a seguir sus pasos pero tampoco hacía falta; porque desde el primer momento me sentí atraída por aquel ritual y el efecto que en ella tenía. Parecía estar en una especie de trance, totalmente a salvo del “ruido” de este mundo y ese recuerdo se ha convertido en una mano invisible que guía mis pasos. 
Quizás, por eso, el arte ha sido mi salvavidas para una infancia complicada y gracias a el he podido comprender y aceptar los cosas malas que me ha tocado vivir. 

Mi paso por la universidad no hizo otra cosa que empeorar, en el buen sentido, mi necesidad de arte. Me permitió estructurarlo de tal manera que se ha convertido en una forma de vida y no desde el punto de vista económico, que obviamente existe, sino como algo que siempre tiene que estar presente en mi día a día. Esto me hace sentir mi trabajo como algo tan intimo que me ha resultado muy difícil compartirlo; hasta que hace cuatro años, mi vida dio un vuelco y decidí dejar atrás la vergüenza y tomarme las cosas de otra manera. 

Para mí; el arte, en cualquiera de sus facetas, no es otra cosa que un lenguaje que sustituye al de las palabras. Es por eso que, cuando somos niños, dibujar nos sirve para expresar sentimientos y emociones que no podemos expresar con palabras. Desgraciadamente, en la sociedad en la que vivimos, es más habitual aprender a esconder los sentimientos que a perfeccionar las diferentes formas expresarlos y por eso muchos niños dejan de utilizar el dibujo o la pintura.


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MAITE CIURANA

Creo que la pintura debe desprender energía, tener vida, transmitir emociones y eso es lo que busco al relacionarme con ella.

Después de  unos años de estudio de  Historia del Arte, sentí la necesidad de intentar expresar mis emociones a través de la pintura; esos fueron mis inicios hace ya la friolera de  treinta años, mediante la técnica al óleo y de modo autodidacta. Cada color produce una emoción y sobre esta premisa me dejo llevar en cada obra; en este sentido me adhiero a la frase de Pablo Picasso: “yo no pinto lo que veo, pinto lo que siento”.

Antes de que existiese la psicología, “Goethe” afirmaba que los colores actúan sobre el alma; pudiendo provocar la tristeza o la alegría. “Física y anímicamente, el ser humano es afectado e influido por los colores que le rodean, al articular sus referencias convencionales”. 

Mis obras son el resultado de un continuo proceso de exploración de nuevo rumbos que me llevan a nuevos lugares; se trata, diría yo, de una ventana al mundo emocional.

En mi continua búsqueda de formas de expresión, he realizado cursos de Grabado y Témperas ( Taller Museo Evaristo Valle-Gijón), técnicas que me han dado grandes satisfacciones y de las cuales conservo buenos trabajos.

Pasados 25 años de trabajo con  diferentes técnicas,  mi búsqueda de  formas de expresión continúa e  indago con los acrílicos, encontrando en ellos mi forma de expresión más genuina y que mejor representa mi modo de ser – en su modalidad “Fluid painting” –  haciendo que su fluidez me permita expresarme con mayor espontaneidad, gestualidad y en definitiva mayor libertad. Técnica que abrazo de modo autodidacta y con la que sigo investigando posibilidades de expresión.

Para mí, pintar supone superar cada día un nuevo reto, pero sin perder la espontaneidad y libertad que supone la creatividad. Lo hago sobre soportes clásicos, tales  como maderas,  lienzos  en 3D y también sobre piezas de metacrilato, a modo de pequeñas esculturas de sobremesa y también en  mayor  tamaño,  con un soporte de acero inox.

Mi inspiración siempre viene de un impacto a nivel emocional, ya proceda de una imagen real,  imaginaria  y/o fotográfica… la interiorizo,  la visualizo y trabajo para plasmarla en el soporte elegido  con mi propio lenguaje. “Lenguaje éste que podría parecer avocado a la abstracción, pero que aún se sustenta en reconocibles apoyaturas simbólicas y figurativas de la pintura tradicional”, tal y como cita sobre mi obra D. José Antonio Samaniego (crítico de arte), en su artículo del 5 de Abril-2016 en el diario de La Nueva España-Gijón .

Me motiva la belleza de todo cuanto percibo y que provoque en mí buenas vibraciones y por consiguiente buenas emociones. Buscar la belleza en la cotidianidad me eleva y ayuda a llevar la propia realidad. Para mí,  el proceso creativo de la pintura es ya toda una necesidad vital.

En un mundo de cantidad de estímulos visuales, me interesa especialmente la pintura, porque le da una dimensión más corpórea a ciertas imágenes o situaciones  emocionales; una actitud estética que nace de la pugna de mis propios sentimientos con la racionalidad del propio colectivo.

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REGINA QUESADA

“Hablar de los orígenes de la pintura supone hablar del porqué del arte, de cómo se origina. Parece ser, pues, que ha de buscarse en el momento en que nuestros antepasados empezaron a concebir sus objetos o su vida con una intención más allá de la funcionalidad”.*

Desde la búsqueda inquieta, con un lenguaje plástico conceptual y personal y desde la precariedad del material, proyecto una obra con una finalidad contemporánea y social donde ahondo en los orígenes pictóricos ancestrales del hombre. Actualmente, en esta sociedad globalizada, se omite la importancia del proceso de creación y del sentido de la expresión artística como un hecho vital del proceso creativo. No se deja espacio para madurar el pensamiento que da lugar a construir esas conexiones emocionales, que permiten crear una obra con una identidad y un espíritu propio. Esa es la esencia de este trabajo artístico: la búsqueda del subconsciente emocional y primitivo a través del arte y su repercusión en una sociedad cada vez más tecnológica e industrializada.
La palabra “arte” proviene de artesano. Desde los orígenes del ser humano se cuestiona en qué momento una obra realizada por las manos del hombre se convierte en arte. En la actualidad, el arte sigue siendo un reflejo de la sociedad, pero ¿cuál es la diferencia del propio valor actual de crear a la que utilizaba el hombre primitivo?.Está claro que el lenguaje cambia porque el medio en el que vivimos va evolucionando, pero la necesidad artística de expresar con el material que nos rodea, está adherida genéticamente desde el hombre prehistórico. Entonces, si desde la prehistoria, el hombre crea esas pinturas desde lo místico y desde la necesidad de supervivencia como cazador, en la actualidad, ¿qué es lo que me hace retornar a ese estado?... La civilización nos ha domesticado y nuestra forma de vida actual nos aleja de ese hombre primitivo pintando en las cavernas, pero la herencia genética me hace retomar y replantear a través del arte, el significado de nuestra efímera existencia. El trabajo artístico que construyo, proyecta una nueva visión del origen pictórico actual del hombre prehistórico olvidado y engullido por una sociedad consumista. Con ello reivindico la vuelta del instinto ancestral del ser humano, en un período donde la globalización en la sociedad actual, provoca cambios constantes, que nos impide ser conscientes de nuestra propia existencia. Para ello trabajo a partir del concepto de formas precarias y experimento con todo tipo de materiales maleables en estado puro o reciclado, transparentes, papeles con los que realizo collage, libros que transformo en libros de artista, pintura etc; que trabajo e investigo durante el proceso creativo. El lenguaje conceptual de este trabajo es amplio; es un arte donde principalmente el material a escoger o a intervenir es importante, porque permanece, está visible y presente en la obra. Construyo un diálogo de expresión puramente emocional (de dentro hacia afuera): "Por ello nos encontramos ante un tipo de pintura que busca la plasmación directa de la interioridad del artista...Se trata de la onda expansiva de una interioridad emocional en trance de manifestarse ofreciendo una imagen de aquello que los artistas llevan dentro"**.

El Paleolítico superior tardío, es una etapa de orígenes pictóricos de figuras de animales, grabadas o dibujadas en las paredes de las grutas. El proyecto “Anatomía primitiva” y L´Animale se aproxima a ese espacio de tiempo, a través de la creación de grabados negros (como las pinturas rupestres negras de la cueva de Lascaux), que representan la conexión primitiva que tengo con mi antepasado prehistórico. Durante el proceso creativo, estudio y trabajo con la intuición como brújula interna, donde reflejo de forma directa y expresiva el sentido emocional del propio acto ritual de crear. Se congela ese instante del pasado, con una visión antropológica, pero planteada y proyectada desde una perspectiva artística contemporánea y conceptual.
Con mi trabajo manifiesto la necesidad de ese espacio interior de tiempo y conocimiento, donde uno realmente se observa a sí mismo sin florituras, y donde realmente ve lo que es y quien es. Se deja la imaginación al descubierto. De ahí mi "YO" interno queda completamente “desnudo”; los frágiles trazos que hago y deshago en un pedazo de papel están reflejando mi pensamiento inconsciente, deseos, pasado y presente, mi alma. Todo esto es el reflejo de un nuevo lenguaje personal íntimo y social, donde los dibujos y pinturas buscan la conexión de la que aún dispongo en mi subconsciente, con mi antepasado primitivo.

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JAVIER BARRENO

"Al arte se llega por accidente, no por la parte casual y carente de premeditación, sino por el choque violento de dos fuerzas que avanzan en sentido opuesto y que no están dispuestas a desviarse. Pero esta colisión tiene una particularidad y es que, una vez que ocurre, dura toda la vida.  

Mi accidente comenzó en Aluche (Madrid); uno de eso lugares que el arte no suele frecuentar, donde no faltaba el pan, pero tampoco sobraba y en el que había que estar en las calles porque era donde ocurría todo; eran las redes sociales de la época. Por aquel entonces la obra de Argüello “Muelle” estaba en todas partes, sus grafitis fueron la semilla de mi pasión por el dibujo y por pintar. 

Al terminar el instituto hice lo que tenia que hacer, matricularme en algo que no me interesaba para descubrir que me interesaba menos todavía. Pero no fue en balde, porque pasé todos mis estudios de electromecánica dibujando una por una aquellas piezas y ahí fue donde supe que la creatividad sería el motor de mi vida.

Con 20 años entré en la escuela de arte y aquello fue como descubrir otro planeta. Por todas partes había gente creando y también maravillosas personas enseñando a crear; sentí como si siempre hubiese pertenecido a aquel lugar y que realmente había encontrado mi sitio en el mundo. Me especialicé en artes aplicadas al metal, fundición, forja... Pero no faltaron complicaciones, pues mi padre veía en aquella decisión un gran error y tuve que esforzarme mucho para hacerle cambiar de opinión. 

Fueron años agotadores de compaginar estudios y trabajo para poder subsistir, maestro tubero de un órgano, restaurando órganos por toda España, escenógrafo y hasta  técnico de efectos especiales de cine y televisión; pero ese esfuerzo no solo reforzó mi convicción acerca de lo que quería ser; sino que también sirvió para hacer ver a mi padre que iba muy enserio. 

Hoy en día, además de mi trabajo artístico personal trabajo en una gran empresa llamada Factum-arte que recibe encargos de grandes artistas internacionales y crea réplicas de grandes obras para instituciones y museos como la tumba de Tutamkhamon, por poner un ejemplo.

Para mí este “accidente” sigue siendo la experiencia de mi vida y es lo que me define como persona, no me veo haciendo otra cosa".


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FAUSTINO RUIZ DE LA PEÑA

"Quintes, Zoreda, Alba, Argüero, Pumares, Bobes,… lugares convertidos en pintura, muy a sabiendas de la dificultad que ello entraña si pensamos en lo denostado del género, de los repetidos intentos de derribarlo y de poder visitarlos en primera persona. Es en esto último donde  creo poder dar una pista  de lo que este género supone para mí; lugares cercanos, familiares, transitados y repetidamente observados.

En muchas ocasiones acontece ese instante mágico, cuando inesperadamente un corro de casas, un bloque desnudo, unos árboles erguidos o una vista tras el cristal de un coche, despiertan la necesidad de hacerlos propios, pintura,  permanentes. Para ello uno debe ser discreto y tener mirada sosegada, de modo que lo que en primer plano aparezca dibuje contornos rotundos, de oscuros planos y formas esenciales, reconocibles y sin excesos. Sin embargo,  en las enmarañadas ramas de los bosques pueden aparecer esos excesos pero no son otros que los provocados por la naturaleza al darle a los árboles esas formas para captar la vida. Del mismo modo me recreo al dibujar entre las  ramas lo que ellas desprenden,  combinando lo nimio con la grandiosidad de sus formas recortadas.

En todas las obras se aprecia una atmósfera sonámbula, romántica, cercana al ocaso y en la inmovilidad previa al inicio de una enorme tormenta; ese instante es quietud real, no aparente, pues sabemos que antes de la tempestad, de la descarga, todo se paraliza, permanece quieto, a excepción de las nubes,  que parecen ir más allá de los límites del cuadro. Repetidas veladuras me permiten reflejar esa  atmósfera “atormentada”; manchas que aparecen, borro y vuelvo a colocar, dejando en ese trasiego algunos rastros que en  conjunto llegan a construir los cielos.

En el caso de las casas y los paisajes con senderos, inicio un camino que pretendo se acerque a  representaciones donde la apariencia de solidez, contraste con su aspecto viejo o con su engañoso silencio; casas casi abandonadas e inútiles, sin rastro humano. En alguna de las piezas hay incluso un acercamiento a un mundo ensoñado, cercano a los paisajes surrealistas: luces, sombras, claroscuros, planos y volúmenes simplificados,   son una  puerta abierta y el inicio de una nueva búsqueda.

Recuerdo que en casa de mi abuela Consuelo había una reproducción del cuadro de Velázquez  “Vista del Jardín de Villa Medici”, aquella imagen se ha hecho ahora presente en mi gusto por la vista lejana, no relacionada con lo observado, separada conscientemente del motivo, plena de interrogantes y donde nuestra vida se desenvuelve  sin estar nosotros presentes".

Faustino Ruiz de la Peña.

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RUBEN LORCA

"Mi misión como artista es estimular y animar los sentidos. Siempre intento aumentar la conciencia a través de mi trabajo en lo que creo que es una sociedad en gran parte letárgica. Utilizo las imágenes como cebo para atraer la atención del espectador, invitando a preguntas y respuestas. Una vez que el observador ha tomado el cebo, gran parte de mi tarea se hace y el observador se ve obligado a responder.

Veo el arte principalmente como una forma de expresión, una necesidad como respirar o  alimentarse. Una herramienta que me permite convertir pensamientos en ilustraciones. Trato de crear imágenes que atraigan la atención del espectador, sugiriendo una idea que puede ser la semilla de un juicio o veredicto por el observador. Mis trabajos son discursos abiertos, y este es un punto interesante, es complicado que dos sujetos puedan emitir una opinión similar sobre lo que ven y no hay una conclusión más válida que la otra.

Me gusta la idea de referirme a los protagonistas de mis obras como "habitantes", son cuerpos aislados y autónomos flotando en un espacio aséptico, desprovisto de referencias y no compiten con otros elementos para la atención del espectador. Muchos de ellos son híbridos y tienen características animales, destacando la naturaleza salvaje de los seres humanos, su bestialidad.
La forma en que veo la fantasía o el surrealismo, no es una manera de evitar o rechazar la realidad, sino que es un método diferente y único para abordarlo".

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